BIOGRAPHY

Jiyong Lee (b. 1971, Seoul, Korea) is a Korean-American contemporary glass artist, educator, and professor at Southern Illinois University Carbondale. He is internationally recognized for sculptural glass works exploring microcosm, optical perception, translucency, and geometric variation. Drawing from microcosms, his work examines how variation is embedded within shared systems, only partially accessible through perception. He has lived and worked in the United States since 1998 and is currently based in Illinois.

In the ongoing Segmentation series, geometric and biomorphic forms reference cellular and embryonic structures while emphasizing the optical properties of glass—transparency, translucency, and opacity. Through layered construction, Lee creates sculptures in which simple exterior forms contain intricate internal variations, simultaneously revealing and concealing structure. Rather than presenting these forms as scientific models, the work reflects on how complexity is organized, perceived, and often only partially understood.​
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Being named a finalist for the 2021 Loewe Foundation Craft Prize, a commissioned work for Chanel, and receiving the 2017 Bavarian State Prize at the International Trade Fair in Munich. His work has been exhibited internationally, including at Homo Faber: An Island of Light, Fondazione Giorgio Cini, Venice (2026); the 8th Tallinn Applied Art Triennial Translucency, KAI Art Center, Estonia (2021); and Korea Now, Musée des Arts Décoratifs, Paris (2015). His sculptures have been featured in publications including Glass Quarterly, American Craft, and New Glass Review by The Corning Museum of Glass. His work is held in major public and private collections, including The Corning Museum of Glass and the Barry Art Museum. He earned his MFA from the Rochester Institute of Technology (RIT) and has taught and presented workshops internationally, including at The Corning Museum of Glass, Penland School of Craft, and Pilchuck Glass School.

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CV(Selected)

Education

• MFA, Rochester Institute of Technology, New York (2001)
• BFA, Hong-ik University, Korea (1997)

Honors & Awards

• Loewe Foundation Craft Prize Finalist (2021) — One of 30 finalists selected internationally
• Bavarian State Gold Prize, International Trade Fair, Munich (2017)— Staatspreis Bayern, the highest award in craft at the Internationale Handwerksmesse
• ​Commissioned Work:​ Chanel Mademoiselle Privé Seoul, D Museum, Seoul (2017)
• Award Winner, 41st Annual International Glass Invitational, Habatat Galleries (2013)
• Emerging Artist Award, Glass Art Society Annual Conference, Adelaide (2005)

Public Collection

• Corning Museum of Glass, Corning, New York, USA
  
• Barry Art Museum, Norfolk, Virginia, USA
• Fundación MEDIANOCHE0, Granada, Spain
• Cedarhurst Center for the Arts, Mount Vernon, Illinois, USA
• Museum of Glass, Tacoma, Washington, USA
• Racine Art Museum, Racine, Wisconsin, USA
  
• Palmer Museum of Art, University Park, Pennsylvania, USA 
• Imagine Museum, St. Petersburg, Florida, USA
• Fort Wayne Museum of Art, Fort Wayne, Indiana, USA
  
• Chanel, Paris, France (commissioned work)
  
• ​Qingdao Art Museum, Qingdao, China
• Samsung Corporation, Seoul, Korea

Selected Solo Exhibitions

• Invisible Microcosm, Traver Gallery, Seattle, WA (2023)
• Imagination of Microcosm, Duane Reed Gallery, St. Louis, MO (2017)
• Jiyong Lee–Macrocosme, Clara Scremini Gallery, Paris, France (2016)

Selected Group Exhibitions

• Homo Faber: An Island of Light, the Michelangelo Foundation, Fondazione Giorgio Cini, Venice, Italy (2026) 
• ILLUMINATED, Design Miami in Situ, Dongdaemun Design Plaza, Seoul (2025)
• Thoughts on Thickness – Korean Craft Show, Rossana Orlandi Gallery, Milan (2024)
• Collect Art Fair, Somerset House, London (2023)
• Fired Up: Glass Today, Wadsworth Atheneum Museum of Art, Hartford, CT (2022)
• Translucency, 8th Tallinn Applied Art Triennial,  KAI Art Center, Tallinn, Estonia (2021)
• Meister der Moderne, International Trade Fair, March 8-14, Munich, Germany (2017)
• ​The Studio at 20, Corning Museum of Glass, Corning, NY (2016)
• Korean Now, Musée des Arts Décoratifs, Paris (2015)

Selected Art Fairs

• Collect, Gallery Sklo, London, UK (2022 – 2024)
• KIAF Seoul, Gallery Sklo, Oct. 13-17, COEX, Seoul, Korea (2021)  
• SOFA, Duane Reed Gallery, Chicago, New York, Santa Fe, USA (2009 – 2018)
• BRAFA Art Fair, Clara Scremini Gallery, Jan. 27-Feb 4, Brussels, Belgium (2017)
• PAD London Art and Design, Clara Scremini Gallery, October 3-9, London, UK (2016)
• Select NYC, Duane Reed Gallery, May 13-17, New York, NY (2014)
  

Residencies

• Artist in Residence, Corning Museum of Glass, Corning, New York (2020)
• Visiting Artist Residency, Museum of Glass, Tacoma, WA (2014)
• Research Residency (March), Sydney College of the Arts, Sydney, Australia (2012)

Teaching

• Professor & Head of Glass Program, Southern Illinois University Carbondale (2018–present)
• Workshop Instructor, The Studio at Corning Museum of Glass (2008–present)
• Workshop Instructor, Penland School of Crafts (2015)
• Workshop Instructor, Pilchuck Glass School (2008)

Professional Service

• Juror Panelist, International Cheongju Craft Biennale, Cheongju, Korea (2023)
• Expert Panelist, Loewe Foundation Craft Prize, Madrid, Spain (2022)
• Board of Directors, Glass Art Society, Seattle, USA (2009–2015)

Selected Bibliography

• William V. Ganis, "The Tao of Glass," Glass Quarterly No. 172 (Fall 2023)
• William V. Ganis, solo exhibition review, Glass Quarterly No. 150 (Spring 2018)
• Asako Uchida, Asia Color Trend Book 2017–18, DIC Color Design Inc., Japan (December 2015). Work selected as design inspiration reference.
• Sebby Wilson Jacobson, "Night and Day," American Craft (Oct./Nov. 2013)
• John Drury, "Jiyong Lee: Master Lee's Synthesis," Neues Glas (Spring 2012)
• New Glass Review (juried annual), The Corning Museum of Glass: No. 35 (2014), No. 32 (2011), No. 24 (2003)​

Full CV available upon request. CONTACT

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​PRESS

Homo Faber: An Island of Light, Venice, 2026
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Loewe Craft Prize Finalists 2021

Video

Invisible Microcosm, Solo Exhibition at Traver Gallery (2023)

​The 8th Tallinn Applied Art Triennial 'Translucency'

William V. Ganis, “The Tao of Glass” Glass Quarterly, No. 172 Fall 2023, pp 26-35

Urbanglass, 2023 ​Exhibition announcement for the solo show at Traver Gallery, featuring a preview of the upcoming feature article in Glass Quarterly.

Contemporary Glass Society Artist interview covering practice, materials, and microorganism-inspired work. CGS, UK, March 2025.

Exhibition Review in Glass Quarterly by William Ganis, Solo exhibition IMAGINATION OF MICROCOSM at Duane Reed Gallery (2017) 
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Online & General interest

PPAPER magazine, Taiwan Full interview on glass, Segmentation series, Chanel, Loewe Prize. Originally in Chinese; English & Korean translations on this site.

​Colossal  
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Bored Panda

​International Examiner, Seattle Solo Exhibition Review, Traver Gallery 2023

​Our Narratives (EN/CN) A global storytelling platform dedicated to capturing diverse human experiences and cultural perspectives through interviews.​

Korean Press

Kiaf Seoul — GLASS FLEX: Studio Glass in Korea Gallery Sklo group exhibition, Kiaf Art Seoul Insights.

​ Harper's Bazaar Korea (Chanel Mademoiselle Privé Seoul, D Museum. Camellia, commissioned work. 2017)

​연합뉴스, 조선비즈, 한국경제, 서울파이낸스 — 갤러리아 명품관 전시 보도, 2019년 11월.

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​JOURNAL 

June 2026 (EN /KO)

​On the Name Jiyong Lee
Back in elementary school, when we were studying modern Korean history, my own name made me uncomfortable. One of the Five Traitors of 1905—the ministers branded as betrayers of the nation for signing Korea's protectorate treaty with Japan—shared my name. When the textbook reached that chapter, my classmates' eyes would turn toward me. A handful of other students and teachers across the school would have shared one of those five names, so I wasn't the only one. The teasing came with laughter, but to a child it didn't feel light. It was the name my grandfather and father had given me—and back then, I sometimes wondered about their sense of history. Luckily for me, one of the five was more notorious than the others, and over time, my name slipped away.

I carried that name with me to America. On the day I applied for citizenship—after a student visa, a work visa, and permanent residency—they gave me the chance to choose an English name. I'd been carrying it for nearly fifty years, more than twenty of them in the United States. If I changed it, what would happen to my connection to everything I'd gathered over the years? I sat with the English-name field for a long time. In the end, I left it blank. And the question of my own name keeps going.

I still think about it sometimes. What name would suit me. Names easy to pronounce. Bookstores devote a shelf to books on names. Parents pick a name before the child is born and tuck meaning and wishes inside it. Syllables that will follow a person their whole life. A name is inseparable from identity.

Koreans' names in America take many forms. Some have lived here for decades and still use only their Korean name. For them, the name is identity. A lot of second-generation Korean Americans carry an English first name and a Korean middle name. The everyday name is English; the middle name, tucked into the documents, is Korean. One small slice of how Korean Americans live, maybe. If I ever do settle on an English name, I'll probably do the same. Jiyong would stay, in the middle.

Actually, I do already have an English name I use. The one I give at bars or cafés, when I don't want to break the rhythm of a fast counter with an unfamiliar Korean name.

At the doctor's office, the nurses warmly call patients by their first names as they show them in. When my turn comes, there's a small silence—maybe a second—and the nurse looks down at the chart. In the end, they call, "Mr. Lee?" Unsure how to say Jiyong, and afraid of getting it wrong, they politely settle on Mr. Lee.

In 2010, while looking into website domains, I found out that jiyonglee.com already belonged to another Korean American living not far from me. For that one reason, my first website started out as jiyongleeglass.com. Then in 2024, more than a decade later, I happened to notice the domain had been released. That was how I finally got hold of jiyonglee.com.

Between classes, and into the late nights in the office, I spent several days designing and rebuilding the new website, googling my own name as I worked. There were several other people living in America with the same name. A doctor, a researcher, a professor of science—at least three other Jiyong Lees doing professional work in this country. In Korea, sharing a name with strangers is no big deal; but in America, with the same Romanized spelling? They too must have googled themselves one day and stumbled on the namesake who works in glass.

I tell my students how to search for other artists, and for me. "Jiyong Lee" alone isn't enough, I say. They have to add glass, or sculpture, after it. The name of the medium fills in what the name alone cannot. By name only, we all surface in the search results together, indistinguishable.

I get buried in the search because the other Jiyong Lees are all actively at work in their own fields. A kind of irony. Still, I'm lucky—the names that come up alongside mine aren't those of traitors, or criminals.

My upcoming solo exhibition is titled alike. Translucent cuboids of similar dimensions are placed within the exhibition space. From the outside, they resemble one another.

The cuboid is an icon of efficient standardization. Easy to measure for area, easy to calculate for volume, easy to stack. No form serves better as a unit of volume. Buildings follow it, and so do the spaces inside them. The moment a ruler touches it, we know its volume and its angles. We treat each other much the same way. Education tells us not to, but the yardstick by which we measure others seems lodged deep in the mind, alongside survival instinct.

But within that efficiency lies a quiet discomfort. Individual creativity and originality are pushed to the back, and a resistance rises against a society that measures people by only a handful of yardsticks.

Within these cuboids that resemble each other, there are subtle differences. Their sizes differ slightly; to anyone who considers the cube a perfect form, these are imperfect cuboids. And the work cannot be seen all at once. Take a step, and a color rises from within while another sinks. Take another, and a color thickened by refraction grows fainter, or disappears.

The surface, suggestive of perfectionism, is smooth. No marks of cutting, no seams where the joints were made. But that surface is the accumulation of countless processes—cutting, flipping, laminating, grinding it back down. Not the clean angles of ninety, sixty, forty-five, thirty degrees, but offset ones, and various colors. Each begins from the same glass and arrives at an entirely different interior. The same surface, an entirely different inside.

So it is with names. So it is with people. The smooth surface comes into view first; what lies inside reveals itself differently in different light, from different vantage points. Just as a conversation never gives us all of another person. The moment we think we have understood someone, they grow faint again, or disappear.
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Type Jiyong Lee into the search bar—not just jiyonglee.com—and several lives unfold. Which one is mine—only by looking a little longer can you tell.

Jiyong Lee, 이지용 이름에 대하여
초등학교에서 한국 근대사를 배우던 때, 내 이름이 불편했다. 을사오적 중 한 명의 이름이 이지용이었다. 역사책의 그 단원에서 같은 반 아이들의 시선이 나를 향했다. 다섯 이름 중 하나를 가진 학생이나 선생이 학교에 더 있었을 테니, 나만 겪은 일은 아니었을 것이다. 웃음 섞인 놀림이었지만, 어린 나에게는 가볍지 않았다. 할아버지와 아버지가 지어주신 이름—어린 마음에 그분들의 역사의식을 의심하기도 했다. 다행히 을사오적 중 더 악명 높은 이가 따로 있었고, 내 이름은 시간 속에 묻혔다.

그 이름을 가지고 미국으로 왔다. 유학생 비자, 취업비자, 영주권을 거쳐 시민권을 신청하던 날, 영어 이름을 선택할 기회가 주어졌다. 오십 년 가까이, 미국에서만도 이십여 년을 이 이름으로 살아온 터였다. 이름을 바꾼다면 그동안 쌓아온 것들과의 연결은 어떻게 유지되는가. 영어 이름 신청란 앞에서 한참을 머물렀다. 결국 비워 두었다. 그러나 이름에 대한 고민은 여전히 진행 중이다.

지금도 가끔 생각한다. 어떤 이름이 좋을까. 발음하기 쉬운 이름들. 서점에는 이름에 관한 책이 한 칸을 차지한다. 부모는 아이가 태어나기 전부터 이름을 고르고, 그 안에 의미와 바람을 묻어둔다. 평생을 따라다닐 음절이다. 이름은 정체성과 분리되지 않는다.

미국에 사는 한국인들의 이름은 다양하다. 미국에 오래 살아도 한국 이름만으로 사시는 분들이 있다. 한국 이름을 정체성으로 지키시는 분들이다. 교포 2세 중 많은 이들은 영어 이름을 first name으로, 한국식 이름을 middle name으로 가지고 산다. 평소 쓰는 이름은 영어식이지만 숨겨진 middle name이 한국식—교포의 사는 모습의 한 단면일지도 모른다. 나도 언젠가 영어 이름이 확정된다면 아마 그렇게 할 것 같다. Jiyong은 middle name 자리에 남기고.
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사실 이미 쓰는 영어 이름이 있긴 하다. Bar나 커피샵의 빠른 카운터에서, 낯선 한국 이름 하나로 그 흐름을 끊고 싶지 않을 때 쓰는 이름이다.

진료를 받기 위해 병원에 가면, 간호사들은 환자들의 first name을 친절하게 부르며 진찰실로 안내한다. 내 차례가 되면 1초 남짓의 정적과 함께 간호사는 차트를 들여다본다. 결국에는 "미스터 리?" 하고 부른다. 아마 Jiyong이라는 스펠링의 발음에 확신이 없고, 발음을 잘못해서 실례를 범할까봐, 나를 정중하게 미스터 리라고 불러준다.

2010년, 웹사이트 도메인을 알아보다가 jiyonglee.com이 이미 멀지 않은 곳에 사는 다른 한국계 미국인의 것임을 알게 됐다. 그 이유 하나로 나의 첫 웹사이트는 jiyongleeglass.com으로 시작했다. 그로부터 십여 년이 지난 2024년, 우연히 그 도메인이 비어 있다는 걸 알게 됐다. 그렇게 나는 비로소 jiyonglee.com을 가질 수 있었다.

수업 사이사이, 저녁이면 퇴근을 미루며 며칠에 걸쳐 새 웹사이트를 디자인하고 구축하면서 내 이름을 검색했다. 미국에 나와 같은 이름으로 살아가는 이들이 여럿이었다. 의사, 연구원, 과학계 교수—적어도 세 명의 또 다른 이지용이 이 나라에서 전문가로 일하고 있다. 한국이라면 동명이인이 흔한 일이지만, 미국 땅에서 영문 스펠링까지 같은 동명이인이라니. 그분들도 어느 날 자신의 이름을 검색하다가, 유리 작품을 만드는 동명이인의 나를 발견했을 것이다.

학생들에게 다른 작가나 나를 검색하는 법을 일러둔다. 이름 'Jiyong Lee'만으로는 부족하다고. 그 뒤에 'glass'나 'sculpture'를 붙여야 한다고. 매체의 이름이 인명의 부족분을 메운다. 이름만으로는 우리가 다 같이 검색 결과에 뒤섞여 떠오르기 때문이다.

내가 검색에 묻히는 이유는, 다른 이지용들이 모두 자기 자리에서 활발히 일하고 있어서다. 일종의 아이러니다. 그래도 다행이다—함께 떠오르는 이름이 을사오적도, 흉악범도 아니라는 것은.

다가오는 개인전의 제목은 alike다. 비슷한 규격의 반투명 육면체들이 전시 공간 안에 놓인다. 겉에서 보면 닮아 있다.

육면체 (cuboid, 큐보이드)는 효율적 규격의 아이콘이다. 면적을 재기 쉽고, 부피를 셈하기 쉽고, 쌓기 쉽다. 부피의 단위로 이보다 나은 형태는 없다. 건물이 그렇고, 그 안의 구조도 그렇다. 자를 대는 순간 우리는 그 부피와 각도를 안다. 사회 속에서 사람을 대할 때도 우리는 종종 그렇게 한다. 교육이 그러지 말라고 가르치지만, 상대를 평가하는 잣대는 생존본능과 함께 머릿속 깊은 곳에 입력되어 있나 보다.

그러나 그 효율성 안에는 미묘한 불편함이 있다. 개인의 창의성과 독창성이 뒷전으로 밀려나고, 사람을 몇 개의 잣대로만 재는 사회에 대한 저항감이다.
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닮아 보이는 육면체 작품들 안에도 미묘한 차이가 있다. 크기가 조금씩 다르고, 큐브를 완벽한 형태라 여기는 이에게는 완벽하지 않은 큐보이드다. 그리고 작품은 한 자리에서 다 보이지 않는다. 한 걸음 움직이면, 안에 있던 색이 떠오르고 다른 색이 가라앉는다. 또 한 걸음 움직이면, 굴절되어 짙어졌던 색이 흐려지거나 사라진다.

완벽주의를 연상시키는 겉면은 매끄럽다. 절단의 흔적도, 접합의 틈도 보이지 않는다. 그러나 그 표면은 자르고, 뒤집고, 라미네이션하고, 다시 갈아내는 무수한 공정의 누적이다. 반듯한 90도, 60도, 45도, 30도가 아닌, 미묘하게 어긋난 각도들과 여러 색을 쓴다. 같은 유리에서 출발했지만 각각은 전혀 다른 내부를 갖는다. 동일한 표면 아래의 전혀 다른 안.

이름이 그렇고, 사람이 그렇다. 매끄러운 표면이 먼저 보이고, 안은 빛에 따라, 보는 자리에 따라 달리 드러난다. 대화를 나눠도 그 속을 다 알 수 없는 것처럼. 한 사람을 알았다고 여기는 순간, 그가 다시 흐려지거나 사라지기도 한다.

검색창에 Jiyong Lee를 치면—jiyonglee.com만이 아니라—여러 개의 삶이 펼쳐진다. 어느 것이 나인지는, 조금 더 들여다봐야 안다.

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May 2026 (EN /KO)

Mitosis, 2019

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Process

In Between Materials, Monoha Hannam, June 28 – July 10 2022

In Between Materials, Monoha Hannam, June 28 – July 10 2022

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2022 Loewe Craft Prize Expert Panel (on site)

Mitosis, and the Years That Almost Were
In 2019, I completed Mitosis. It was the largest and undoubtedly the heaviest piece I had created to date. Existing in two distinct parts, the work demanded a level of physical endurance I hadn't previously encountered. My process is visceral and literal: I carry the weight of the glass in my arms throughout the entire fabrication.

Supporting that mass for hours, my muscles were pushed to their limits by constant strain and vibration, until the sensation in my fingertips became simultaneously hyper-sensitive and faint. I felt the glass pushing back at me—a physical resistance that resonated in my body long after the work was finished.

The composition follows a logic of restraint: a vibrant orange core enveloped within a pale, nearly translucent white exterior. The orange does not sit on the surface; it diffuses from within, filtered through successive layers of glass. To me, it is an honest representation of the human interior—the perpetual tension between what we reveal and what we conceal.

This internal glow symbolizes the primal energy of a single cell—the singular point of origin. It captures the silent yet explosive moment of cellular division and development, from one into millions. It is an invisible labor of growth, held within the structural quietude of the glass.

My Spring 2020 sabbatical was meant to be an ambitious journey. It began in mid-February with an Artist-in-Residence program at The Studio of The Corning Museum of Glass. I vividly remember sitting in the apartment in Corning, finalizing reservations for the May journey to Paris, Copenhagen, and Sweden—first to attend the opening of the Loewe Foundation Craft Prize exhibition in Paris, and then onward north for the highly anticipated conference in Sweden.

Then came March. On March 11, 2020, the world I had planned for vanished. While I was fortunate to complete my residency, the 15-hour drive back to Illinois was surreal. Electronic highway signs in New York, which usually flashed safety reminders, now pulsed with a jarring command in bright orange: STAY HOME, STAY ALIVE. It was a visceral reminder that our world had fundamentally shifted.

In late 2021, joining the expert panel for the 2022 Loewe Foundation Craft Prize further recalibrated my practice. Reviewing over 3,000 portfolios was a transformative experience that altered something deep within me. It was an emotionally taxing process that carried a profound sense of responsibility. Evaluating such exceptional works through a critical lens required intense deliberation and a complex internal dialogue. I still hold vivid memories of several artists whose vision struck me deeply; seeing them continue to produce magnificent work today remains a significant source of inspiration.

Witnessing such an immense volume of human making clarifies what truly holds up under scrutiny—and why I continue to return to this language of making.​
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Mitosis has since traveled from Seoul to various museums across the USA and is currently on view at Duane Reed Gallery in St. Louis. It continues to hold its orange core quietly inside, waiting—as it always has—for the light to decide what to reveal.

 마이토시스, 그리고 잃어버릴 뻔했던 시간들
2019년, <마이토시스(Mitosis, 유사분열)> 작업을 마쳤다. 당시까지 내가 시도한 작업 중 가장 거대했으며, 무엇보다 압도적인 무게를 지닌 작품이었다. 두 부분으로 나뉜 이 유리를 만드는 과정에서 나는 이전과는 전혀 다른 물리적 한계를 경험했다. 내 작업은 언제나 육체적이며 직접적이다. 제작 기간 내내 두 팔로 유리 덩어리의 하중을 온전히 감당해야 했기 때문이다.

장시간 그 무게를 지탱하며 근육은 끊임없는 고통과 진동에 노출되었고, 어느 순간 손가락 끝의 감각은 극도로 예민해지는 동시에 아득히 희미해졌다. 유리가 나를 물리적으로 밀어내고 있다는 그 저항감은 작업이 끝난 후에도 오랫동안 잔상처럼 몸에 남았다.

이 작품의 구성은 ‘절제의 논리’를 따른다. 창백하고 반투명한 흰색 외면 속에 선명한 오렌지색 핵이 자리 잡고 있다. 이 색은 표면에 머무는 것이 아니라, 겹겹의 유리층을 통과하며 내부로부터 서서히 확산된다. 내게 이 모습은 인간의 내면을 가장 정직하게 투영한 형상처럼 다가왔다. 우리가 무엇을 드러내고, 무엇을 감추려 하는가에 대한 끊임없는 긴장감 말이다.

내부에서 뿜어져 나오는 이 빛은 단일 세포의 근원적인 에너지, 즉 생명의 시작점을 상징한다. 하나에서 둘로, 다시 수백만 개로 세포가 분열하고 발달하는 그 정적이면서도 폭발적인 순간을 포착하고자 했다. 그것은 유리의 구조적 고요함 속에 갇힌 ‘보이지 않는 성장의 노동’이다.

2020년 봄학기 안식년은 원대한 여정이 될 터였다. 2월 중순 코닝 유리 박물관 스튜디오(The Studio)의 ‘아티스트 인 레지던시’ 프로그램으로 그 시작을 열었다. 코닝의 아파트에 앉아 파리, 코펜하겐, 그리고 스웨덴으로 이어지는 5월의 여정을 예약하던 순간이 여전히 생생하다. 먼저 파리에서 로에베 재단 공예상 전시 오프닝에 참여 후, 이어서 북쪽으로 향해 기대되던 스웨덴에서의 컨퍼런스에 참석할 계획이었다.

하지만 3월이 오자 세상은 순식간에 사라졌다. WHO의 팬데믹 선포 이후, 일리노이로 돌아오는 15시간의 운전길은 초현실적이었다. 뉴욕 고속도로 전광판에 점멸하던 'STAY HOME, STAY ALIVE'라는 주황색 경고 문구는 우리가 알던 세상의 종말을 알리는 강렬한 신호였다.

2021년 말, 로에베 측으로부터 2022년 공예상의 전문가 심사위원회(Expert Panel) 참여 제안을 받았다. 3,000점이 넘는 포트폴리오를 마주하며 보낸 심사의 시간은 내 안의 무언가를 변화시켰다. 정서적으로는 매우 치열하고도 무거운 책임감이 따르는 과정이었다. 수많은 뛰어난 작업들 사이에서 비평적 우선순위를 가려내는 일은 작가로서 깊은 고뇌를 동반했다. 당시 강렬한 인상을 남겼던 여러 작가들의 비전을 여전히 선명히 기억하며, 그들이 오늘날까지 보여주는 눈부신 행보를 지켜보는 것은 내게 큰 영감이 된다.

수많은 창작의 결과물 속에서 어떤 작업이 비평의 잣대 아래 끝까지 살아남는지, 그리고 나는 왜 결국 이 창작의 언어로 계속 돌아오게 되는지의 이유가 명확해졌기 때문이다.
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그 후 <마이토시스>는 서울을 거쳐 미국 내 여러 미술관과 갤러리, 그리고 현재 세인트루이스의 드웨인 리드 갤러리에 이르기까지 긴 전시의 여정을 이어 오고 있다. 작품은 여전히 그 내부에 주황색 빛을 조용히 머금은 채, 늘 그래왔듯 빛이 무엇을 보여줄지 결정하기를 기다리고 있다.

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​Space, and the Fourteen Hours Between
Two large optical glass blanks arrived in the summer of 2021 after a longer wait than usual. Supply chains for specialty materials were still disrupted. I received them with something close to relief.

SPACE, ​2021, the form is a low cylinder — twelve inches (30.5 cm) in diameter, seven inches (17.8 cm) in height — fabricated from solid optical glass. Two circular disks of differing thickness, approximately three and five inches, were each cut vertically, their faces laminated in blue. The two disks were then joined along a yellow horizontal plane and ground back into a single cylinder. The surface was finished in a translucent satin — not polished to full transparency, but held just short of it. Light enters, diffuses, and does not fully resolve.

Technically, this continues from the Segmentation series. Conceptually, it begins somewhere else.

That summer, work in the studio continued. So did the calls to Seoul. My wife was in her first year as an assistant professor. What had been daily contact became something that required coordination. The fourteen-hour time difference began to feel like what it actually was.

Inside the cylinder, two vertical blue cross-sections sit at a slight misalignment. An intentional misalignment — a visualization of time difference. They are sky — the sky above Illinois, the sky above Seoul, fourteen hours apart where day becomes night. The horizontal yellow plane is earth. The upper face is where I stand. The underside is where she is.

Walking around the piece, the two blue sections appear and disappear, align and drift. You cannot see both synchronized at once. As one face of blue seems to recede, the other emerges. Not exactly absence — presence displaced by distance and time.

There is a detail I had not fully anticipated. The yellow light — projected down through the lower disk — pools on the surface beneath the piece. Like something spilled. It reaches me in ways I hadn't planned for. It seems to say something about living inside the gap — two grounds, two skies. From certain angles, the yellow bleeds into the blue, taking on the amber of a sunset. The feeling of time difference, at its most acute.
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Space shares a visual lineage with the Segmentation series. The geometry, the coldwork, the glass — all continuous. But here, the subject is no longer cellular. It is time, distance, and two skies that cannot be seen at once.

스페이스, 그리고 14시간의 간격
2021년 여름, 두 개의 대형 광학 유리 블랭크가 예상보다 오래 기다린 끝에 도착했다. 특수 재료의 공급망은 여전히 원활하지 않았다. 안도에 가까운 무언가를 느끼며 받아들었다.

스페이스, 2021, 형태는 낮은 실린더 — 지름 12인치 (30.5cm), 높이 7인치 (17.8cm)의 솔리드 광학 유리. 두께가 각각 약 3인치(7.6cm)와 5인치(12.7cm)인 두 개의 원형 디스크를 각각 수직으로 분할하고, 그 단면을 블루로 라미네이션했다. 두 디스크는 노란 수평면으로 접합되어 하나의 실린더로 연마되었다. 표면은 반투명의 새틴으로 마무리했다 — 완전한 투명이 아닌, 그 직전에 멈춘. 빛은 들어오되, 완전히 해소되지 않는다.
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기술적으로는 Segmentation 시리즈의 연장이다. 개념적으로는, 다른 어딘가에서 시작된다.

그해 여름, 스튜디오에서의 작업은 계속되었다. 서울로의 통화도 계속되었다. 아내는 조교수로서 첫 해를 보내고 있었다. 매일의 연락은 조율이 필요한 것으로 변해 갔다. 14시간의 시차는, 그것이 실제로 무엇인지를 느끼게 하기 시작했다.

실린더 내부의 두 수직 블루 단면은 약간 어긋나게 자리 잡고 있다. 시차를 시각화한 의도된 어긋남이다. 이 두 면은 하늘이다 — 일리노이의 하늘, 서울의 하늘, 낮과 밤이 바뀌는 14시간의 간격. 수평의 노란 면은 땅이다. 윗면은 내가 서 있는 곳. 아랫면은 아내가 있는 곳.

작품 주위를 걸으면 두 블루 단면은 나타났다 사라지고, 맞닿았다가 어긋난다. 두 면이 동시에 정렬되는 것을 볼 수 없다. 한 면의 블루가 사라지는 듯할 때 다른 면의 블루가 나타난다. 정확히 부재는 아닌, 공간과 시차로 어긋난 현존.

예상하지 못했던 디테일이 있다. 아래 디스크를 통과해 투영된 노란 빛이 작품 아래 표면에 고인다. 무언가 쏟아진 것처럼. 계획하지 않은 방식으로 마음을 건드리는 디테일이다. 두 개의 땅, 두 개의 하늘 — 그 간격 안에 살고 있다는 것에 대해 무언가를 말하는 것 같다. 노란빛이 블루와 뒤섞이며 노을과 같은 앰버빛깔을 띠는 각도도 있다. 시차의 느낌이 극대화되는 순간이다. 
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Space는 Segmentation 시리즈와 시각적 계보를 공유한다. 기하학, 콜드워크, 유리 — 모두 이어진다. 하지만 이 작품 안에서 주제는 더 이상 세포적이지 않다. 시간과 거리, 그리고 동시에 볼 수 없는 두 개의 하늘이다.

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​This interview was originally published in Chinese in PPAPER Magazine (Taiwan, February 2024). The following is a translation in English and Korean.
Original article on PPAPER →

​[INTERVIEW] Korean Glass Artist Jiyong Lee: The Pure Aesthetics of Cleansing the Soul (Translated Text)
"Art washes away from the soul the dust of everyday life." — Pablo Picasso
The healing power of art emerges when captivating contours awaken the latent sensibility deep within our souls, when refracted colors tint our emotions through the eyes, and when tangible textures allow our fingertips to gently brush against the blessing of a muse. The true essence of art does not necessarily demand a grandiose purpose; the mere act of gazing at its enchanting core becomes a ritual that cleanses the soul. Art can be this pure.

This is the exact quality that defines the work of Korean-American glass artist Jiyong Lee, who currently resides and works in the United States. His acclaimed "Segmentation Series," which spans the majority of his creative career, draws inspiration from the natural phenomena of cell division and embryology. He uses the versatile and fluid properties of glass as a metaphor for the human contemplation of life science and the essence of nature. The uniquely refined, matte frosted surfaces navigate a subtle gradient from transparency to opacity—symbolizing the clarity and cloudiness of human vision, a journey from the unknown to understanding.

Jiyong Lee masterfully manipulates the subtle interplay between the glass medium and optics. His intricate and demanding coldworking techniques, which are difficult to decipher at first glance, imbue the sculptures with a mysterious nature despite their minimalist visual language. Ongoing since 2002, this series reflects Lee’s personal obsession with aesthetic purity and his artistic inquiry into seeking organic philosophies within inorganic matter. Concurrently, as a university professor, he guides his students as equals to explore these answers together.

Lee’s sculpture "Mitosis" was selected as a finalist for the 2021 LOEWE Foundation Craft Prize, which honors excellence in contemporary craft. In 2017, he collaborated with CHANEL, creating a special sculptural piece titled "Chanel Camellia"—an extension of his Segmentation Series inspired by the camellia flower—for the Mademoiselle Privé exhibition in Seoul. He was the only South Korean artist invited to create a commissioned work for the event.
"I want my work to be filled with poetic and mysterious metaphors."
Within the poetic aesthetics of Jiyong Lee, our souls, much like molten glass waiting to solidify, gradually become clear and serene in the absolute quiet.

PPAPER ✕ Jiyong Lee Interview
Q. What inspired you to become a glass artist? Since childhood, I have always been fascinated by beautifully designed objects, regardless of their utilitarian purpose. I was also captivated by the act of making things by hand. While in Korea, I was introduced to ceramics and fell in love with it immediately, spending days and nights immersed in studio practice. I genuinely enjoyed the studio schedule governed by the unique constraints of the material. My fondness for mixed media also drove me to explore a wider range of artistic mediums.

I have always loved the natural textures of wood and stone, and glass appealed to me because it is a material that can be formed through natural phenomena—even though the types of glass I use in my studio are not naturally occurring. While glass may not be as precious as gemstones, it remains a rarer medium compared to clay, wood, stone, or metal. While many are drawn to the dynamic charm and performative energy of glassblowing, I prefer casting and cold-working processes. This approach allows me to work independently and quietly in my studio, which stems from a nostalgia for the tranquility I used to experience in the ceramics studio. I still remember the exact moment glass casting won my heart: watching countless air bubbles slowly drift within the molten glass before cooling and solidifying. That process was utterly mesmerizing.

Q. Is there a particular reason you have lived and worked in the United States for so long, rather than returning to South Korea? After completing my MFA at the Rochester Institute of Technology (RIT), I decided to stay in the United States to continue my practice because there were still so many technical complexities and professional methodologies that I wanted to explore. The field of glass art in the US is significantly larger than in Korea; the artist community is extensive and possesses deep diversity. I deeply appreciate the collaborative atmosphere where artists freely share information and support one another.

Q. What do you find to be the most captivating quality of glass as a material? Glass is a medium rich in metaphorical qualities. It can be transparent, translucent, or opaque; it can have a polished, glossy finish or a matte, frosted texture. It is simultaneously rigid and fragile, sharp and rounded, colorless and vibrant. While we utilize glass extensively in daily life for windows and utilitarian objects, it remains an incredibly mysterious medium to me when approached as a fine art form.

Q. We noticed that your sculptures generally feature a matte, frosted surface quality. How does this connect to your core concepts or aesthetic principles? The matte surface gives the glass a translucent effect, which is vital to my creative concept. I view this translucency as a metaphor for the human condition and the layers of understanding. Transparent glass fully reveals the state of the other side, connecting with absolute visual clarity. Conversely, opacity brings to mind a total loss of vision. In the dimension between the transparent and the opaque, the gradual transition from absolute clarity to cloudiness can be understood as humanity's curiosity and search for natural and life sciences—the profound journey from the unknown to comprehension.

Q. The "Segmentation Series" represents a dominant portion of your body of work. How do you determine the way the glass is segmented? Is it intuitive or deliberately planned? The series is inspired by my fascination with cell division. Most of the time, I make conscious decisions regarding the internal structures through meticulously planned reductions and cuts. When designing the segmentation patterns, I comprehensively calculate the visual interactions of material, geometry, color, and light. A segment of works within the series also directly references the natural dividing states of actual cells, embryos, or other microscopic organisms.

Q. In addition to being a studio artist, you are also an educator. What originally motivated you to enter academia? When I was a student, I loved working in the institutional studios alongside my peers and faculty. Although I didn't plan on entering teaching immediately upon graduation, balancing a career as an educator (or part-time instructor) while maintaining an active studio practice had always been my ideal lifestyle.
Fortunately, shortly after graduating, an opportunity arose to teach within my discipline, and I simultaneously worked at the personal studio of my professor, Michael Taylor, for about five years. Later, I relocated to Carbondale, and I have been leading the glass program at Southern Illinois University (SIU) since 2005.
I view the university studio as an open, democratic space where faculty and students create together, share knowledge, refine technical skills, engage in critical dialogue, and exchange ideas. My goal is to help students smoothly develop their own artistic voices while nurturing their creativity. My pedagogy is organic, grounded in the distinct creative direction and specific needs of each individual student.

Q. We have observed that many contemporary South Korean craft artists have gained prominent international recognition in recent years, presenting their work in highly innovative formats. What do you think is driving this phenomenon? There are undoubtedly myriad factors, but I would like to address this from the perspective of the educational environment. For decades, Korean parents have been deeply passionate about higher education, pushing their children to achieve advanced degrees. This dedication to elite education eventually expanded from engineering and sciences into the arts.
The majority of contemporary craft curricula in Korean universities focus heavily on contemporary design and fine art rather than strictly traditional Korean crafts. While many artists draw inspiration from traditional Korean materials and techniques, I believe their deep research into these traditions is often independently driven rather than directly dictated by their academic coursework.
Furthermore, a significant number of Korean artists studied abroad in Europe and North America before returning to teach at domestic universities. For decades, active international exchanges have occurred between Korean and global artists. I believe this sustained international interaction has catalyzed the structural shifts we are seeing across the contemporary art, craft, and design sectors.

Q. You collaborated with CHANEL in 2017 and were later selected for the LOEWE Foundation Craft Prize. From your perspective, what is the relationship between studio craft and fashion? When CHANEL commissioned me to create a piece inspired by the camellia, they were incredibly supportive, giving me complete creative freedom to execute the project entirely within my own visual vocabulary. For the LOEWE Foundation Craft Prize, I participated as one of the 30 international finalists. The LOEWE Foundation has long been dedicated to supporting diverse artistic disciplines, and the Craft Prize is a brilliant extension of that philosophy.
Over the years, I have witnessed numerous fashion houses collaborate with fine artists. Historically, luxury heritage brands have always focused on creating products with the highest standards of master craftsmanship, naturally aligning them with high-level artisans. I view these two fortunate experiences as excellent case studies that manifest the creative energy of cross-disciplinary collaboration, and I hope more artists are granted similar opportunities in the future.

Q. During the pandemic, the LOEWE Craft Prize hosted its first digital exhibition, and many museums adopted virtual spaces. This aligns closely with the concept of the metaverse; as an artist, how do you evaluate this exhibition format? While it was unfortunate that my sculpture "Mitosis" could not be physically exhibited in the gallery space during that specific LOEWE exhibition, as an artist who creates physical objects, I still strongly prefer presenting my work in a tangible exhibition environment and viewing the creations of other artists in person.
Nonetheless, when physical exhibitions are impossible, virtual exhibitions serve as an excellent alternative. I believe this technology will continue to evolve. Virtual reality (VR) is an exceptional method for archiving exhibitions and expanding beyond traditional printed catalogs, and it holds tremendous utility within the educational sector.

Q. Do you collect works by other artists? I am not a conventional collector who acquires artwork through commercial galleries. However, I am fortunate to own several pieces created by artist friends. Most of them were meaningful gifts to me, and I treasure them deeply. Conversing about my friends' works with students and visitors who pass through my studio brings me immense joy.
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Q. The theme of this issue is "INSIDE OUT." What would you say is the most "inside" or core concept of your work? I want my work to be filled with poetic and mysterious metaphors. I have always been drawn to simple geometric or biomorphic forms, and through my sculptures, I attempt to build a structural imagination that resonates with the complexities of life and science.
Within my body of work, there is a series of cuboid sculptures that feature a missing segment at the corner. I sought to utilize that negative space to create another beautiful geometry. The missing portions in our lives do not equate to 'imperfection.' Our existence remains beautiful precisely because life is inherently built from a multitude of intersecting segments.

​PPAPER ✕ 이지용(Jiyong Lee) 인터뷰 (번역문)
Q. 유리 예술가가 된 계기는 무엇인가요? 어릴 때부터 실용성 여부와 상관없이 디자인이 아름다운 사물을 좋아했습니다. 손으로 무언가를 만드는 것에도 매료되었죠. 한국에 있을 때 도예를 처음 접하고 바로 사랑에 빠져 작업실에서 밤낮없이 작업했습니다. 소재의 특성 때문에 제약받는 예술가 특유의 작업 일정을 즐겼고, 복합 매체 작업 방식을 좋아하다 보니 더 다양한 재료를 알고 싶어졌습니다.

나무와 돌의 천연 질감을 좋아하는데, 유리는 자연 현상을 통해 생성될 수 있는 소재라는 점이 매력적이었습니다. (물론 제 작업실에서 쓰는 유리가 천연 유리는 아니지만요.) 유리가 보석처럼 아주 귀한 것은 아니지만, 진흙, 나무, 돌, 금속에 비하면 여전히 희소한 재료입니다.

많은 사람이 유리 블로잉(Blowing) 기법의 역동적인 매력에 빠지지만, 저는 캐스팅(Casting)과 콜드 워킹(Cold-working) 공정을 선호합니다. 이 방식은 작업실에서 혼자 작업할 수 있게 해주는데, 과거 도예 작업실에서 느꼈던 고요함을 그리워했기 때문이기도 합니다. 녹아내린 유리 속에서 수많은 기포가 느리게 움직이다가 냉각되어 굳어지는 모습을 보았을 때, 그 과정이 너무나 매혹적이어서 유리 캐스팅에 완전히 마음을 빼앗겼던 기억이 납니다.

Q. 한국이 아닌 미국에 오랫동안 정착하여 활동하는 이유가 있나요? 미국 로체스터 공과대학교(RIT)에서 석사 학위를 마친 후, 아직 제가 이해하지 못한 전문 기술들을 더 탐구하고 싶어 미국에 남기로 결정했습니다. 미국의 유리 예술 분야는 한국보다 시장이 훨씬 크고, 작가 커뮤니티가 광범위하며 다양성을 띠고 있습니다. 서로 정보를 공유하고 돕는 분위기가 무척 마음에 들었습니다.

Q. 작가님이 생각하는 유리라는 소재의 가장 매력적인 점은 무엇인가요? 유리는 은유적인 특성을 지닌 재료입니다. 투명할 수도, 반투명할 수도, 불투명할 수도 있으며, 반짝이거나 매트한 질감을 낼 수도 있습니다. 단단하면서도 동시에 깨지기 쉽고, 날카롭거나 둥글 수 있으며, 무색이거나 다채로운 색을 띱니다. 일상생활에서는 창문이나 여러 물건으로 흔하게 쓰이지만, 예술적 창작 매체로서의 유리는 저에게 여전히 매우 신비롭습니다.

Q. 작품들이 전반적으로 매트한 샌드블라스트(Matte/Frosted) 질감을 띠고 있습니다. 이것이 작가님의 창작 이념이나 미학원칙과 어떤 연관이 있나요? 매트한 질감은 유리에 반투명한 효과를 주는데, 이는 제 창작 개념에서 매우 중요합니다. 저는 이 반투명한 질감을 '이해의 층위'이자 인간 조건에 대한 은유로 바라봅니다. 완전히 투명한 유리는 반대편의 상태를 온전히 보여주며 선명한 시각과 연결되는 반면, 불투명함은 시각을 잃은 상태를 연상시킵니다. 투명과 불투명 사이의 차원, 즉 완전한 투명에서 불투명으로 나아가는 그라데이션은 자연과 과학을 쫓는 인간의 호기심, 즉 미지의 상태에서 이해로 나아가는 여정으로 해석할 수 있습니다.

Q. '分切(Segmentation)' 시리즈가 작업의 큰 비중을 차지합니다. 유리를 분할하는 방식은 직관적인가요, 아니면 의도적인 계획에 의한 것인가요? 이 시리즈는 세포 분열 과정에서 영감을 받았습니다. 대부분의 경우, 저는 계획적인 절단을 통해 내부 구조에 대한 의도적인 결정을 내립니다. 분할 방식을 설계할 때 재료, 형태, 색상, 빛의 시각적 효과를 종합적으로 고려합니다. 시리즈 중 일부 작품은 실제 세포, 배아, 혹은 기타 미시적 생명체의 자연적인 분열 상태를 참조하여 창작되기도 합니다.

Q. 작가이면서 동시에 교수이시기도 합니다. 교육계에 몸담게 된 계기는 무엇인가요? 학생 시절 학내 작업실에서 동료 학생들, 선생님들과 함께 작업하는 것을 좋아했습니다. 졸업 직후에 곧바로 가르칠 계획은 없었지만, 교육(혹은 파트타임 강사)을 하면서 작가 활동을 병행하는 것은 늘 이상적인 삶이었습니다.
다행히 졸업 후 얼마 지나지 않아 전공 분야에서 가르칠 기회가 생겼고, 동시에 제 은사이신 마이클 테일러(Michael Taylor) 교수의 개인 스튜디오에서 약 5년간 일했습니다. 그 후 카본데일(Carbondale)로 이주하여 2005년부터 남일리노이 대학교(SIU)에서 지금까지 학생들을 가르치고 있습니다.
저는 미술대학의 스튜디오를 교수와 학생이 함께 창작하고, 지식을 공유하며, 기술을 연마하고, 토론하며 사상을 교류하는 '열린 공간'으로 바라봅니다. 학생들이 자신만의 창작을 순조롭게 발전시키고 예술성과 창의성을 키울 수 있도록 돕고 싶습니다. 제 교수법은 유기적이며, 각 학생이 가진 고유한 창의성과 필요에 기반을 두고 있습니다.

Q. 최근 몇 년간 한국의 젊은 공예가들이 두각을 나타내고 있으며, 매우 신선한 형태로 작품을 선보이고 있습니다. 이러한 현상의 원인이 어디에 있다고 보시나요? 여러 가지 이유가 있겠지만, 저는 '교육 환경' 측면에서 말씀드리고 싶습니다. 수십 년 동안 한국 부모들은 자녀가 고등 학위를 취득하도록 교육하는 데 열정적이었고, 이러한 엘리트 교육에 대한 열정이 공학이나 과학을 넘어 예술 분야로도 확장되었습니다.
현재 한국 대학의 현대 공예 커리큘럼은 한국의 전통 공예보다는 현대 디자인과 공예 예술을 가르치는 데 더 치중되어 있습니다. 많은 작가가 한국의 전통 재료와 기술에서 영감을 받지만, 전통 기술에 대한 깊은 학습과 연구는 학교에서 직접 이루어진 것이 아니라 독자적인 연구인 경우가 많습니다.
또한 상당수의 한국 작가들이 유럽과 북미에서 유학한 후 한국으로 돌아와 대학에서 가르치고 있습니다. 수십 년간 국내외 작가들 간의 교류가 매우 활발하게 이어져 왔죠. 이러한 국제적인 인터랙션이 최근 몇 년간 공예와 디자인계 전반의 변화를 이끌어냈다고 생각합니다.

Q. 2017년 샤넬과의 협업, 그리고 로에베 공예상 참여 경험이 있으십니다. 작가님이 보시기에 이러한 공예 예술과 패션의 관계는 무엇인가요? 당시 샤넬은 동백꽃에서 영감을 얻은 작업을 의뢰하면서, 제가 가진 고유의 시각적 언어로 작업을 진행할 수 있도록 전폭적으로 지지해 주었습니다. 로에베 공예상의 경우 최종 결선 후보 30인 중 한 명으로 참여했었죠. 로에베 재단은 오랫동안 다양한 형태의 예술을 후원해 왔고 이 상도 그 일환입니다.
수년간 많은 패션 브랜드가 아티스트와 협업하는 것을 보아왔는데, 전통적으로 패션 하우스들은 높은 수준의 장인精神이 깃든 제품을 만들어왔고 그런 최고 수준의 장인들과 협력해 왔습니다. 제게 주어졌던 이 두 번의 소중한 경험은 크로스오버(Crossover)가 만들어내는 창의적 에너지를 보여주는 좋은 사례라고 생각하며, 앞으로 더 많은 예술가에게 이런 기회가 주어지기를 바랍니다.

Q. 팬데믹 기간 동안 로에베 공예상이 처음으로 온라인 전시를 진행했고, 많은 미술관도 가상 전시를 채택했습니다. 메타버스 개념과도 유사한데, 창작자로서 이러한 전시 방식을 어떻게 평가하시나요? 당시 제 작품인 ‘세포분열(Mitosis)’이 오프라인에서 물리적으로 전시되지 못해 아쉬움은 있었지만, 오브제를 만드는 작가로서 저는 여전히 실물 전시 공간에서 제 작품을 보여주고 다른 작가들의 작품을 직접 눈으로 보는 것을 선호합니다.
그럼에도 불구하고 오프라인 전시가 불가능할 때 가상 전시는 훌륭한 대안이 됩니다. 이 기술은 앞으로도 계속 발전할 것이며, 가상현실(VR) 기술은 기존의 종이 도록이나 전시 아카이브를 대체할 아주 좋은 방법이자 교육 분야에서도 유용하게 쓰일 수 있다고 생각합니다.

Q. 다른 예술가의 작품을 수집하기도 하시나요? 갤러리에서 작품을 구매하는 전형적인 컬렉터는 아닙니다. 하지만 운 좋게도 예술가 친구들의 작품을 몇 점 소장하고 있는데, 대부분 선물로 받은 것들이라 매우 소중히 아끼고 있습니다. 제 작업실을 지나가는 학생들이나 사람들과 함께 그 친구들의 작품에 관해 이야기 나누는 것은 큰 기쁨입니다.
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Q. 이번 호의 주제는 ‘INSIDE OUT(안과 밖)’입니다. 작품의 가장 ‘내적인(Inside)’ 개념은 무엇인가요? 저는 작품이 시적이고 신비로운 은유로 가득 차기를 원합니다. 늘 단순한 기하학적 형태나 생물학적 형태에 매료되어 왔으며, 작품을 통해 생명과 과학이 가진 복잡성에 공명하는 구조적 상상력을 창조하고자 합니다.
제 작업 중 직면체(Cuboid) 시리즈를 보면 모서리 한 부분이 결손되어(Missing) 있는 작품들이 있습니다. 저는 그 사라진 부분을 이용해 또 다른 아름다운 형태를 만들어내고자 했습니다. 우리 삶에서 결핍된 부분은 결코 '불완전함'을 의미하지 않습니다. 삶은 수많은 부분으로 구성되어 있기에, 그 자체로 여전히 아름답습니다.

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